marcelamillan

... Aunque por cada calle que se transite en Argentina se respire un aire de Tango y este sea el género musical más conocido internacionalmente de Argenita, quiero explorar dos géneros que realemente me gustan mucho, así que esta vez hablaré del Rock y el Reggae en Argentina...

El rock en Argentina comenzó a interpretarse en la segunda mitad de los años 60. En esta época comenzó a formarse un género musical que fue denominado "rock nacional" cuando varios grupos underground empezaron a componer canciones en español sobre los temas que preocupaban a los jóvenes de ese momento. Durante las primeras décadas los grupos locales se dedicaban a cantar en español y en inglés canciones de rock and roll, propias o covers de éxitos internacionales, pero sin adquirir una identidad musical propia. Desde mediados de los 60 el rock argentino tuvo una evolución constante a través de los años 70 y los años 80, cuando se transformó en un género internacional.

 El rock nacional en Argentina es cantado mayoritariamente en castellano y fue uno de los primeros en ser cantado masivamente en un idioma que no fuese el inglés y en alcanzar una extendida popularidad interna y luego internacional, convirtiéndose así en uno de los más importantes de habla hispana (junto al rock hecho en México) y el de mayor éxito comercial fuera de sus fronteras.

El rock argentino (en Argentina  rock nacional) es un género musical muy amplio aplicado a cualquier variedad de rock, punk, new wave y heavy metal argentino, entre otros estilos musicales. Sus mayores exponentes son Charly García, Luis Albert Spinetta, Litto Nebbia, Gustavo Cerati, Andrés Calamaro, Celeste Carballo, Pappo, Ricardo Iorio, León Gieco, Fito Páez, Soda Stereo, Miguel Mateos, Virus, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, La Renga, Bersuit Vergarabat, Los Piojos, Sumo y Divididos, entre tantos otros.

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El rock Argentino ha pasado por múltiples etapas y altibajos en su  paso por este país,desde la desintegración de importantes grupos, hasta el exilio de muchos artistas pasando por la censura del mismo género;  no se trata de transcribir toda su historia  en este blog, sino tratar de entender un poco de sus origenes y cautivar la atención  de todos ustedes, porque realmente me quedo corta en palabras para expresar como este género con sus artistas han cautivado mi atención...

Así que mejor les traigo un video que encontré en este recorrido donde nos explican algo de su historia.

Para que disfruten, al igual que yo, los siguientes videos

Vamos Ceratti! aún hay esperenzas! ...

REGGAE 

El reggae es un género musical de origen jamaicano. El término reggae algunas veces se usa para referirse a la mayoría de los ritmos típicos de Jamaica, incluyendo ska, rocksteady y dub. Con reggae se denomina más a un estilo particular que se originó después del desarrollo del rocksteady. En este sentido, el reggae incluye tres sub-géneros: el Skinhead reggae, el roots reggae y el dancehall.

El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de raggamuffin, que en inglés significa literalmente harapiento. Este topónimo se usó para designar a los pobres de Jamaica, y también a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Actualmente se llama generalmente ragga o raggamuffin a algunos subestilos del reggae

Los Cafres, con su sonido dulce y pegadizo que recuerda a las melodías de Bob Marley, el exponente más reconocido en el mundo del Reggae, lograron posicionarse como el exponente actual del Reggae roots Argentino. Los dos últimos discos son criticados,pero sigue la estela de Quién da más?,su disco más exitoso.

Sus canciones mantienen un gran balance a nivel instrumental, haciendo brillar los vientos en la ausencia de la voz principal. Las líneas de bajo, como en todo reggae, conforman la estructura y la potencia de los temas, siendo esto muy notorio en los momentos que "El Robba" aparece desplegando todo su estilo luego de un momento de silencio. Las voces de Bonetto (vocalista) se caracterizan por sus variaciones y fraseos, variando desde graves penetrantes hasta agudos falsos; por momentos melódica, por momentos rap, especialmente en las canciones con segmentos de estilo "Raggamuffin".

Los Pericos es una popular banda de reggae y ska argentina fundada por Alejandro Zárate en 1986. En 2006 había superado los dos millones y medio de discos vendidos y alcanzado casi 2000 presentaciones en vivo. Fueron nombrados embajadores del reggae por Jamaica.

 La historia de Los Pericos comenzó en 1986, cuando un grupo de amigos del colegio secundario se compraron instrumentos musicales y se pusieron a tocar juntos, ensayando una y otra vez temas de artistas jamaiquinos como Bob Marley, Peter Tosh y Toots & The Maytals. Se bautizaron Los Pericos y después de un mes y medio salieron a tocar en vivo en pequeños bares, con buena respuesta del público. Un cassette llegó a una radio y de pronto se encontraron grabando su álbum debut con producción de Javier Calamaro. Acto seguido, El ritual de la banana los convirtió en la banda revelación del año, con un meteórico ascenso de popularidad y más de 400,000 discos vendidos que generaron un verdadero furor nacional por el reggae.

Encargados de romper  records de ventas y de recitales en países como Venezuela y Chile. Compartieron más shows con UB40 y Steel Pulse, tocaron en Viña del Mar y ya iban por el primer millón de discos vendidos.

En febrero de 1997 tocaron ante 100,000 fans en el ciclo Buenos Aires Vivo y el 28 de diciembre festejaron diez años de carrera ante 120,000 personas en un concierto gratuito al aire libre, donde se grabaron temas para un futuro disco en vivo. Las giras siguen rompiendo records de popularidad y convocatoria en Perú, México, Venezuela, Colombia, Paraguay y Brasil y ciudades de Estados Unidos, llevando 140,000 espectadores al Buenos Aires Vivo III en 1999. Confirman su calidad artística con el álbum Mystic love.

 ... Una muestra de su talento ...

ESto fue un paso por dos géneros musicales en Argentia ...

Ahora, estoy en Brasil y me he salido un poco de lo tradicional y lo ma's conocido para dejar a un lado la samba, que se puede decir que es el género representativo de Brasil, para adentrarme al mundo de la Bossa Nova...

La bossa nova es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Río de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo ". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de "Saudade de Bahia" y "Rosa Morena" interpretadas por Dorival Caymmi, y de "Chega de Saudade" interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género en Brasil.

 "Bossa-Nova" significa "bossa nueva".  Nadie puede alegar saber con exactitud cual fue el origen del término "Bossa-Nova". Lo más probable es que el término "BOSSA" fuera usado para referirse a cualquier nueva "tendencia" o a la tendencia de moda dentro de la cultura-costera artística de los últimos 50 años en Río de Janeiro. El término finalmente llegó a ser conocido y ampliamente utilizado para referirse a un nuevo estilo de la música, a una fusión del samba y a jazz, cuando los creadores aplicaron a su nuevo estilo el término como "la nueva cosa". Era probable usar el término "Bossa-Nova" entonces como referencia genérica a lo que hacían en la música en ese entonces, que no tenía ningún nombre particular todavía. Sin embargo, el término se arraigó como la definición de su propia creación artística específica, que se conocía como "Bossa-Nova" o luego simplemente como "Bossa", como lo conocemos hoy en día.

En genral, La Bossa Nova fue la primera Gran revolución en términos de estructuras armónicas, melódicas y rítmicas y el primer lenguaje moderno que se utilizó en Brasil para hacer música. También por primera vez en el siglo Brasil exportó a los Estados Unidos y a Europa un movimiento musical, y no sólo figuras exitosas, pero aisladas. La Bossa Nova fue un movimiento orgánico, completo en sí mismo, acabado, que surgió de manera espontánea, natural, gracias a la convergencia de diferentes factores.

 INSTRUMENTOS...

 La bossa-nova se toca normalmente con guitarra clásica, cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa). En su forma más pura basta con la guitarra sin acompañamiento y la melodía cantada, como puede escucharse en numerosas interpretaciones de João Gilberto. Incluso en los arreglos de jazz de más envergadura, que se hacían para grupos hay casi siempre una guitarra que lleva el ritmo principal.

Aunque no sea tan importante como la guitarra, el piano es otro de los instrumentos que se usan en la bossa-nova; Jobim escribió para el mismo e interpretó en él la mayor parte de sus grabaciones. El piano ha servido también como puente estilístico entre la bossa-nova y el jazz, permitiendo que estos dos géneros se influencien el uno al otro.

Un instrumento que marcó a este genero y le dio la particularidad de su sonido, fue el cavaquinho; es un instrumento portugués, en forma de guitarra pero mucho más pequeño, que antes de que se introdujera en la Bossa, se usaba sólo para acompañar en las canciones,en cambio, en este ritmo, se ve como protagonista muchas veces en innumerables solos.

Los tambores y la percusión no se consideran una parte esencial, de la instrumentación en la bossa-nova (y de hecho los creadores tendían a prescindir de ellos), aun así hay un estilo de percusión definido en la bossa-nova, caracterizándose por corcheas continuas en los timbales (imitando el pandeiro del samba) y golpeando ligeramente el aro, generalmente en un ritmo de dos compases en el que en el primer compás se golpea a contratiempo y en el segundo a tiempo.

 Algo de Bossa nova, jazz y samba...

MÚSICA

 Esta vez, viviré Colombia y viajaré por ella, daré un paseo por la región del pacífico de donde el resonar de los tambores han cautivado mi atención.

 La música del pacifico colombiano está llena de emotividad, es danzaría y de carácter vocal esto determina que se trabajan estos dos tipos de música, en los grupos de marimba ( pacífico Sur) muy característico la voz y percusión.

Aunque la música afrocolombiana de la costa Pacífica presenta en mayor medida herencias de tradiciones africanas, también tiene raíces  indígenas y españolas que fueron adaptadas por los afrodescendientes de la región. Estas expresiones musicales manifiestan un profundo carácter religioso y melancólico. Sin embargo, cuando se expresa en contextos profanos su característica fundamental es la sátira. Ésta tiene bajo su responsabilidad la crítica social y política y se hace evidente en el predominio de onomatopeyas y voces en forma de dejo. Dicha particularidad está anclada en la tragedia de los esclavizados quienes, al ser considerados como mercancías y no como seres humanos, debieron recurrir al canto satírico para expresar sus inconformidades y rechazos al sistema esclavista.

 En la costa Pacífica colombiana existen manifestaciones musicales de marcada ascendencia africana. Casos concretos son los ritmos del currulao y sus cinco variantes: patacoré, berejú, caderona, bámbara negra y juga, y los estilos fúnebres del bunde y el chigualo

El currulao ...

Es la danza patrón de las comunidades afrocolombianas del litoral Pacífico. Presenta características que sintetizan las herencias africanas de los esclavizados traídos en la época colonial para las labores de minería adelantadas en las cuencas de los ríos del occidente del territorio. En la ejecución del currulao es posible aún observar características propias de un rito sacramental impregnado de fuerza ancestral y de contenido mágico.

Ahora bien, desconozco  si todos tuvieron la oportunidad de asistir a los eventos culturales ofrecidos por la décima Feria del Libro Ulibro, llevada hace poco en las instalaciones de la universidad, donde se presentó el grupo Chocquibtown proveniente del pacifico, para los que no asistieron y no conocen de este grupo, les daré un abrebocas de lo que este grupo ha logrado transmitir, no solo a nivel local sino nacional el internacional.

  Considerada hoy  día como  banda más representativa del Hip Hop colombiano. Su innovador sonido fusiona el funk, el hip hop norteamericano, el ragga jamaiquino y elementos de la música electrónica para producir elaborados beats; así mismo sin dejar a un lado  los ritmos tradicionales de la costa Pacífica colombiana, tales como bunde, currulao, bambazú y aguabajo; con otros de Latinoamérica y el caribe como la salsa, el songo y guajira.

"Como grupo nuestro principal objetivo es que la sensibilidad de nuestra cultura y de nuestra música, dejen de ser ajenas a este país, y si se quiere en el mundo; que se conozca desde lo que comemos, hasta el porque hablamos de la manera en que lo hacemos, queremos ser parte de los espacios donde nos han invisibilizado como etnia y arte" - Tostao (MC Líder Chocquibtown)...

Gente que aún no pierde su esencia y que quieren mostrarle al mundo de dónde vienen y para dónde van, que dan a conocer el nombre de nuestro país no por su violencia, no por su problemas internos, sino que reflejan la cara amable, alegre, expresiva y folclorica de nuestra región.

Nominados dos veces al Grammy Latino, con giras alrededor del mundo, aquí les traigo un poco de sabor... CHOCQUIBTOWN!!

 ARTE

 A pesar de ser uno de los pintores más conocidos y de talla mundial que tiene el país, no tenía mucho conocimiento sobre él, es por esto que decidí tomar un vuelo desde el pacífico colombiano hasta la región Andina, en Medellín, para conocer más sobre el señor Fernando Botero

 Pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento. Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participa en su primera exposición conjunta -Exposición de Pintores Antioqueños- Medellín 1948. Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual (Mujer llorando, 1949). En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya.

 Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo entre su variada temática una serie de obras en las que parece rendir tributo a los grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o Autorretrato según Velázquez (1986).

Pocos artistas hispanoamericanos han logrado tanta repercusión a nivel internacional como el pintor y escultor colombiano Fernando Botero. Su personalísimo estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario.

 Al mencionar la palabra pintura y arte lo primero que vino a mi mente y puedo afirmar que a la de muchos también, lo primera imagen, concepto o nombre que llega a nuestra mente es la de Frida Kahlo; es por esto que al llegar a este país no puede evitar conocer más sobre esta artista.

Autoretrato con mono

Frida Kahlo nació en Coayacán, México, el 6 de julio de 1907. Frida era una de las cuatro hijas de un padre judío- húngaro y una madre de ascendencia indígena-mexicana. Originalmente no planeaba convertirse en una artista. Una superviviente de polio, empezó un programa de pre-medicina en la ciudad de México. A la edad de 18, sufrió graves heridas en un accidente de autobús. Pasó alrededor de un año en la cama, recuperándose de roturas en su columna, vertebral, hombros y costillas, una pelvis astillada y daños en el pie. Sufrió más de 30 operaciones a lo largo de su vida  y durante su convalecencia empezó a pintar.

 Me resulta realmente interesante la forma en la que esta mujer convierte sus desdichas, en una majestuosa obra de arte, plasmando cada etapa y momento  de su vida en cuadros y pinturas que en su momento solo tenían significado para ella y que hoy en día nos interesa a muchos.

"sufrí dos graves accidentes en mi vida... Uno en el cual un tranvía me arrolló y el segundo fue Diego". Con lo que quiso decir que el accidente de tranvía la dejó invalida físicamente y Rivera la dejó inválida emocionalmente. Diego Rivera, muralista, con el que Frida se casó sin importar los 20 años de diferencia que los distanciaba en el tiempo. A pesar de este amor  que llegó a sentir Frida por Diego, esta, al igual que Diego mismo, tuvieron numerosos amantes incluyendo mujeres (Frida), pero ninguno capaz de hacer olvidar ni de quitar del trono de su corazón a su amado Diego...

 En la pintura, se muestran su muslo y pie herido, haciendo una simbología de la angustia por la cual estaba pasando por las infidelidades de su marido. La herida del pie es real, consecuencia de una cirugía del año anterior, aunque en realidad es su pie derecho el que está herido, no el izquierdo. Pintó este autorretrato mientras se miraba en el espejo.

"Unos cuantos piqueticos" (1935)

 Unos cuantos piqueticos... Con el corazón roto por la aventura de su esposo con su hermana menor, Cristina, Frida reflejó su dolor e ira en esta pintura. Su propio dolor era tan profundo que incapaz de pintarlo en primera persona, lo proyectó en las desgracias de otra mujer. En nuestra humanidad, ¿será posible perdonar un hecho tan desgarrador para nuestra alma?, resulta curioso hacernos tales cuestionamientos, pero, valen la pena.

 "Autorretrato con collar de espinas"

 "La columna rota"

 "Diego en mi pensamiento o mi pensamiento en Diego"

Durante su vida, Frida creó unas 200 pinturas, dibujos y esbozos relacionados con las experiencias de su vida, dolor físico y emocional y su turbulenta relación con Diego. Ella pintó 143 pinturas, 55 de las cuales son autorretratos. Cuando le preguntaban porque pintaba autorretratos, Frida contestaba: "porque estoy tan sola tan a menudo, porque soy la persona que conozco mejor"...

En 1953, cuando Frida exhibió en solitario por primera vez en México (la única que celebró en su país natal durante toda su vida), un crítico local escribió: "es imposible separar la vida y el trabajo de esta persona extraordinaria. Sus cuadros son su biografía"

 Frida hizo su última aparición pública, cuando participó en una manifestación comunista. Poco después, el 13 de julio de 1954, a la edad de 47 años, Frida falleció.

"quemar mi cuerpo... No quiero ser enterrada. He pasado mucho tiempo acostada. ¡Simplemente quemarlo!

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En este video pude encontrar más sobre la vida de Frida, espero lo disfruten y busquen las partes que siguen ...

MÚSICA

 Como toda la cultura del país, la música de México es fruto del mestizaje que se dio entre las tradiciones europeas, americana y africana, entre otras. La música mexicana es sumamente variada e incluye diversos estilos determinados por la región geográfica de proveniencia, así por las diferentes épocas de desarrollo.

Para esto caso, indagaré un poco sobre aquel género representativo de México que resuena en muchas partes del mundo y que creemos conocer muy bien. Les estoy hablando de las rancheras, así que partiremos de lo básico, ¿Qué es una ranchera?...

La ranchera es un género de música mexicana muy popular nacional e internacionalmente. Su nombre proviene de la palabra "rancho", que es un sector de actividad agrícola y ganadera propio de la geografía americana. Están acompañadas por características orquestinas surgidas en México. Las rancheras fueron difundidas por los famosos mariachis originarios de Jalisco.

La música ranchera nació en México como una reacción del pueblo ante costumbres aristocráticas provenientes de Europa que predominaban en la clase alta del país. Estas costumbres y otros cambios políticos surgieron debido a la revolución de 1910 que ocasionó muchas manifestaciones culturales como las mencionadas rancheras. En un comienzo, las personas las escuchaban en ferias regionales y muchos las imitaban en sus lugares, adaptándolas a sus formas de vida. Inspiradas en el folclore mexicano, con una mezcla de festividad y argumento narrativo, las rancheras se convirtieron en la música ícono y símbolo de México y hasta el día de hoy son muy populares, especialmente en países latinoamericanos. Los países en donde más se ha desarrollado la ranchera fuera de México, son Argentina, Perú, Colombia y Venezuela.

Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la cultura mexicana. Algunos ejemplos de canciones mexicanas famosas más allá de las fronteras del país son: "Bésame Mucho", "Cucurrucucú Paloma", "Amor, Amor, Amor", "Solamente una vez", "Somos novios", "Guadalajara", "El Rey", "Amorcito Corazón" y algunas más.

Saludos a todos!

Emprendo mi viaje desde los Estados Unidos,  a continuación podrán ver, escuchar, sentir y vivir lo poco o mucho que aprendí en cuanto a música y arte en este país.

Para dar inicio a este recorrido empecemos por lo que, a título personal me resulta muy emocionante e interesante, y es la música.

Cualquier ciudad que visitemos en Estados Unidos, nos brindará un gran portafolio repleto de alternativas u opciones musicales capaces de satisfacer los diferentes gustos llenando cualquier expectativa, integrado en un exquisito menú caracterizado por su variedad en los géneros: blues, jazz, pop, rock, orquestas sinfónicas, música country, R&B, Hip Hop, entre muchos otros; que se han convertido en el repertorio cotidiano que nos ofrece este país.

Esta variedad musical es producto de un sinnúmero de influencias, destacando aquellas que surgieron de la interacción con las culturas tradicionales europeas y las expresiones regionales y étnicas, que podemos afirmar, no fueron en buenos términos sino conflictivas.  

Mi trayectoria inicia en el sur de los Estados Unidos para conocer sobre aquel género musical cuyo significado es melancolía o tristeza y que es reconocido como uno de los géneros musicales que  mayor influencia ha tenido en la historia musical del siglo XX, les hablo del BLUES; para luego  dar paso  y sumergirme en el  estado de Louisiana, específicamente en  las calles de New Orleans, considerada como la "cuna del Jazz" a estudiar este género musical.

Estos dos géneros, son una excelente representación de expresiones  de otredad y cultura popular, dado que a lo largo de la historia de cada uno, hacen referencia al conjunto de patrones culturales y manifestaciones artísticas creadas por "otros" por contraposición a algo establecido.

BLUES

 El blues, como lo había anotado anteriormente, su significado  es melancolía o tristeza, es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de bluesy de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo.

El nacimiento de este género se remonta a principios del siglo XVII, surgiendo de aquellas canciones consideradas paganas y religiosas que entonaban a una voz los esclavos traídos de África mientras realizaban sus labores de siembra y cosecha de algodón, tabaco en el sur de Estados Unidos. Ahora entiendo el significado de su nombre, ya que esta música abarcaba todas las contiendas espirituales y terrenales con las que tuvieron que luchar y soportar los esclavos bajo el yugo opresor de los que se hacían llamar amos. Su música es la clara expresión de inconformidad ante la pérdida de su libertad, pero al mismo tiempo resultó ser la grandiosa y majestuosa manifestación de su propia libertad, pues hoy día ha logrado trascender a lo largo del tiempo, quebrantando fronteras e influenciando géneros y dando el punto de partida a nuevos.

El blues hoy en día, se puede definir como "un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra".

  Existen varios estilos de Blues: Country, clásico. City o Urban y Rhythm & Blues que, aunque no sé mucho de estructura musical, estos ritmos  se diferencian el uno del otro por el sentimiento e interpretación (aquello que los músicos llaman feeling) creado por el propio interprete, sumado con las técnicas en cuanto a la posición de las cuerdas de la guitarra,  el vibrato de las mismas - ondulación del sonido- entre otras técnicas.

Cuando se habla de Blues muchos tendrán en su cabeza un listado de preferencias y gustos o por el contrario puede que no conozcan a ninguno, esta vez quiero darles a conocer dos artistas que personalmente cautivaron mi atención: Eric Clapton y BB king.

BB KING

A través de su guitarra, Lucille como el solía llamarlas,  puede expresar hasta su más profundo deseo,  por eso es conocido como uno de los "100 guitarristas más grande de todos los tiempos".

Ahora lo veremos en una sencilla pero excelente presentación junto a Eric clapton, que a pesar de que su origen no es del país que visité, su estilo musical siempre está ligado al blues.

JAZZ ...

Ahora, he llegado hasta New Orleans, donde a inicios del siglo XX surgió el primer estilo de jazz documentado, en él la corneta o trompeta llevaba el peso de la melodía, el clarinete tocaba floridas contramelodías y el trombón interpretaba sonidos rítmicos. Detrás de este trío básico, la tuba o el contrabajo interpretaban la línea del bajo, y la batería el acompañamiento rítmico. "la exuberancia y el volumen eran más importantes que la delicadeza: la improvisación se centraba en el sonido del conjunto". Creada por los negros de los estados  estados esclavistas del Sur -Alabama, Louisiana, Georgia - mientras trabajaban en las plantaciones de algodón. El blues y sus cantos  fueron la semilla. De ella nacerían los primeros sonidos del auténtico jazz, último género popular en la historia de la música occidental. Un tipo de expresión urbana que empezó a afianzarse en los cafés de los negros de Nueva Orleáns a finales del siglo XIX y principios del XX.

"El jazz se caracteriza por eludir la ejecución de las interpretaciones a partir de la lectura fiel de una partitura" esto quiere decir que la esencia del jazz se fundamenta en la improvisación, en la expresividad, la exaltación a la vida y en su tiempo,  a una plegaria a Dios; lo que lo hace enormemente atractivo pues surge de manera espontanea, es algo impredecible es libertad, canto de protesta...

 Quiero compartir con ustedes unos videos donde nos explican  algo de historia sobre este género, por ahora solo les daré a conocer la primera parte pero podrán conseguir el resto de capitulos en Youtube.

 Algunos Artistas ...

Louis Armstrong

Considerado como el primer auténtico virtuoso de jazz, gran improvisador, tanto el plano técnico, como el emocional e intelectual. Cambió el formato del jazz y puso al solista al frente de la orquesta

  Aunque  en  sus inicios como músico era reconocido por sus habilidades como cornetista y trompetista, se consagraría como una gran figura a nivel mundial siendo vocalista de gran influencia para el canto jazzístico.

 Canciones que hemos escuchado en varias películas ...

Ray Charles ...

Proveniente de Georgia, ciego a causa de un glaucoma, pianista por excelencia y luchador por circunstancias de la vida.

 Su forma tan peculiar de tocar el piano y sus cualidades vocales, junto a una correcta mezcla de músicas de New Orleáns con gospel y blues, conforman el estilo propio de Ray Charles, con el que cautivó al mundo entero, a pesar de haber sido criticado por cantar canciones góspel con letras populares, saliéndose totalmente de la tradición.

 Ahora, los invito a que vean Ray, the film, donde el actor Jamie Foxx dramatiza la vida de Ray Charles y con la cual consiguió el premio Oscar a mejor actor principal. es Excelente...

ARTE

Ahora, es tiempo de estudiar uno de los movimientos artísticos más importantes en este país.  Exploraremos ciertos aspectos del arte moderno y pintura de Estados Unidos.

La pintura de los Estados Unidos tiene una historia de dos siglos, a partir de la independencia del país. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas pintaron sobre todo paisajes y retratos en un estilo realista.

Albert Bierstadt, Las montañas Rocosas, Lander's Peak, 1863, Escuela del río Hudson

 Después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como el centro del mundo artístico. Desde entonces, muchos movimientos estadounidenses han marcado el arte moderno y postmoderno. Así que me llamó la atención el siguiente movimiento artístico del cual les contare un poco sobre el.

POP ART

 El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras  además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Nota: Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos,  con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.

Nota: Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

 En este video que comparto a continiación, se expone los aspectos relacionados con el Pop Art, incluyendo su historia, elementos que lo conforman y los artistas más representativos.

En conclusión, El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, entre otros. Este movimiento irónico de pintura, surge en 1960 en Norteamérica. Esta manifestación ha ido creciendo a la mano de las condiciones capotalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.

Los temas pictóricos del "Pop Art" están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".